Il saluto del Presidente Conte apre il Convegno dedicato a Boldini

In Senato un convegno su Giovanni Boldini, aperto dal saluto istituzionale del Presidente del Consiglio Giuseppe Conte, riunisce i più insigni studiosi dell’artista 

The Art Spectator: il 24 gennaio, al Senato della Repubblica, si è svolto il convegno “Giovanni Boldini”. L’artista italiano famoso nel mondo quale emblema della bellezza femminile.

L’importante iniziativa istituzionale, moderata da Arabella Cifani de Il Giornale dell’arte, ha visto la partecipazione di illustri studiosi del grande artista italo francese, fra loro Tiziano Panconi, presidente del Museo archives Giovanni Boldini Macchiaioli di Pistoia, considerato – ha affermato Arabella Cifani – il massimo connoisseurdell’opera di Boldini, a cui si devono scoperte fondamentali sulla biografia del maestro. Poi Leo Lecci, docente di storia dell’arte moderna presso l’Università degli studi di Genova, Marina Mattei, curatrice dei Musei Capitolini nonché direttrice degli scavi di Largo Argentina e Elena Di Raddo, docente di storia dell’arte moderna all’Università Cattolica di Milano, tutti e tre autorevoli membri del Comitato scientifico del Museo archives Boldini di Pistoia.

Sono intervenuti anche Sergio Gaddi, responsabile dei Racconti dell’arte di Arthemisia e Alessandra Tiddia, curatrice del museo Mart di Rovereto.

Manuela Kustermann ha offerto invece una emozionante lettura de “Le donne di Boldini”, fra i brani più noti scritti su Boldini, sempre per la penna di Tiziano Panconi.

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La locandina ufficiale dell’evento in Senato

La giornata di studi, organizzata in collaborazione con il Senato della Repubblica e appunto il museo archives di Pistoia (che si occupa della promozione, catalogazione e tutela delle opere di Boldini), con il patrocinio della Presidenza del Consiglio dei Ministri e del Ministero dei beni culturali, ha fatto il punto sugli ultimi dieci anni di studi e ricerche condotte sulla figura di Giovanni Boldini: dalla pubblicazione nel 2008 delle lettere segrete della moglie del maestro, Emilia Cardona Boldini al giovane amante Francis La Monaca, fino all’espugnazione dal corpus pittorico di un ciclo di dipinti “spagnoleggianti” e all’identikit stilistico di Antonio Barchi, il più noto falsario di Boldini, nonchè ai molti documenti inediti resi noti nel catalogo Skirà della grande mostra su Boldini tenutasi al Vittoriano nel 2017.

La sessione si è aperta con la lettura del messaggio istituzionale del Presidente del Consiglio Giuseppe Conte che ha manifestato il suo più “vivo apprezzamento per gli approfonditi studi svolti sulle opere e sulla vita del pittore ferrarese” dagli esimi studiosi convocati nelle sale del Senato per questa eccezionale occasione.

L’organizzazione tecnica e la comunicazione sono state della project director Irene Pagnini di Mia’s communications. Sponsor Il Giornale dell’arte, Butterfly Transport e UAU Magazine.

L’introduzione è stata affidata alla senatrice Barbara Masini e le conclusioni al senatore Manuel Vescovi.

Boldini elaborò con spirito innovativo e “leggero” i modelli del passato.

“La forte consuetudine dell’artista alla interdisciplinarietà – ha detto Marina Mattei – ha davvero segnato il suo tempo, contribuendo a rendere vivi e presenti nell’immaginario di ognuno di noi i personaggi che hanno fatto l’Italia.

Suo è il ritratto di Verdi conservato alla GNAM di Roma, attraverso il quale riconosciamo le caratteristiche salienti del magnifico compositore”.

“Nella sua lunga vita – ha aggiunto la senatrice Masini, membro della commissione senatoriale per le politiche europee – fu fra i più alti rappresentanti dell’ingegno italiano all’estero, funzione che ancora svolge attraverso le sue opere straordinarie esposte nelle mostre e nei più importanti musei del mondo.

La cultura dunque quale memoria del passato ma anche fonte di progresso e vessillo di identità nazionale. Quella identità la cui tutela è prevista nella nostra Carta costituzionale e che compete in primo luogo alle più alte istituzioni dello Stato”.

Panconi e la Mattei hanno infine ringraziato il premier Conte “perché il suo attestato di stima e le sue parole, costituiscono la più alta testimonianza di quella sensibilità istituzionale che in Italia sopravvive alle contrapposizioni politiche, costituendo il miglior preludio per il reiterarsi delle necessarie iniziative di studio, tutela e promozione dell’opera di Boldini. Per ciò un particolare ringraziamento è stato rivolto anche al presidente del Senato Maria Elisabetta Alberti Casellati e al Ministero dei beni culturali del turismo nella persona del ministro Alberto Bonisoli”. Il senatore Manuel Vescovi ha poi terminato parlando della necessità di promuovere il patrimonio culturale italiano, sia attraverso iniziative di straordinario valore come questa, sia attingendo da altri proficui modelli di valorizzazione utilizzati all’estero.

Gli atti del convegno saranno pubblicati per i tipi del Museo archives Giovanni Boldini Macchiaioli di Pistoia.

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(da destra): Tiziano Panconi, Sergio Gaddi, Arabella Cifani, Leo Lecci, sen. Barbara Masini

Arte e magia in mostra a Rovigo

The Art Spectator: Nelle sue Notti Attiche, lo scrittore romano Aulo Gellio, vissuto nel primo secolo dell’era comune, riportava che tutti i giovani desiderosi d’avvicinarsi agl’insegnamenti di Pitagoraerano tenuti a osservare almeno due anni di silenzio: i discepoli che il grande filosofo accettava nella sua scuola, assicura Aulo Gellio, dovevano ascoltare le parole del maestro, e non potevano fare domande se avevano capito poco, né tanto meno commentare. Solo dopo aver appreso tutti gli argomenti, anche i più difficili, era loro concesso d’esprimersi, di pronunciare qualche parola, di chiedere. Quel silenzio che Pitagora imponeva avrebbe poi attraversato i secoli, assurgendo a simbolo di meditazione, di passaggio primario per essere iniziati a una dottrina, a un culto o a una filosofia, oltre che della fatica necessaria per apprendere. “In antico”, ha scritto D’Annunzio nel suo Libro segreto, “religioni e filosofie non vissero se non di silenzio: conobbero e osservarono la necessità del silenzio. Quelle che a tal necessità si sottrassero, quelle furono sempre mal comprese difformate profanate avvilite”. C’è il silenzio dell’anacoreta cristiano, che si mette a tacere per accogliere al meglio il suo dio, e per certi ordini monastici il silenzio fa parte della regolacui obbedire. C’è il silenzio della massoneria, più simile a quello pitagorico, cui sono obbligati gli apprendisti che intendono accedere al grado successivo della gerarchia massonica. C’è il silenzio che pratiche filosofiche o ascetiche richiedono al fine d’estraniarsi dal brusio del mondo esterno e dar voce solo a ciò che viene dal profondo dell’inconscio. C’è il silenzio della poesia.

Il silenzio è dunque allo stesso tempo un dono, un modo per preservare la purezza (o per non rivelare segreti), un mezzo per sondare se stessi o per provare a inoltrarsi in una dimensione altra. Ma il silenzio è anche un primo passaggio, una condizione di partenza: ed è per tal ragione che una mostra come Arte e magia(a Rovigo, Palazzo Roverella) non può che cominciare dall’invito al silenzioper calare il pubblico entro i meandri dell’occultismo e dell’esoterismo. Un invito che prende le forme d’una scultura di Jean Dampt(Venarey-les-Laumes, 1854 – Digione, 1945) e Alexandre Bigot(Mer, 1862 – Parigi, 1927), intitolata Le Silence: un volto emaciato, quasi sofferente, che rivolge all’osservatore il cosiddetto gesto arpocratico(o signum harpocraticum), quello che si fa portando l’indice verso la bocca chiusa e al quale il grande André Chastelha dedicato alcune pagine del suo fondamentale Il gesto nell’arte. Un gesto che può assumere, scriveva Chastel, un valore semantico passivo (“io mi taccio”) o attivo (“tacete”), e che per tal ragione diviene passibile di molte letture (una caratteristica che lo rende ancor più ammaliante): se nei templi del dio egizio Arpocrate il gesto dell’indice mosso a serrare la bocca aveva la funzione d’esortare gli adepti a non diffondere le sue rivelazioni, nella scultura dall’aspetto funereo di Dampt e Bigot, ideata per decorare un letto e quindi associata alla nottee alle sue inquietudini, il silenzio diviene sinonimo di mistero, e guardando quella figura che c’invita a tacere con quel fare così imperioso, s’è quasi portati a seguirla tra i segreti della notte.

E un invito al silenzio è anche quello che il visitatore accoglie nell’incontrare il Silenziodi Giorgio Kienerk(Firenze, 1869 – Fauglia, 1948), pannello centrale del trittico L’enigma umano: è una straordinaria vanitasche unisce i due pannelli laterali col piacere e il dolore (peccato non siano a Rovigo, benché filologicamente la scelta di separare le tre tavole non sia errata, dacché il Silenzionacque più di dieci anni prima degli altri due e pertanto fu inizialmente esposto da solo, e addirittura Il Piacererimase nello studio di Kienerk), congiungendo i motivi del secondo (il teschio, l’atmosfera cupa) con quelli del primo (la procace sensualità della modella) e rimandandoci alla dimensione eroticadel silenzio, che trova corrispondenza, per esempio, in un passaggio di À coeur perdudi Joséphin Péladan (“Silence des lèvres, sans paroles et sans baisers, silence des mains sans caresses, silence des nerfs détendus, silence de la peau desélectrisée et froide; et tout ce silence glaçant une vierge enflammée par la douleur de l’amplexion et qui attend le plaisir enfin”: “silenzio delle labbra, senza parole e senza baci, silenzio delle mani senza carezze, silenzio dei nervi distesi, silenzio della pelle priva d’elettricità e fredda; e tutto questo silenzio che ghiaccia una vergine infiammata dal dolore dell’amplesso e che attende infine il piacere”). Una volta accolto l’invito, si può compiere l’iniziazione: a renderla manifesta è L’initiationdi Charles Sellier(Nancy, 1830 – 1882), che dipinge una figura condotta verso la luce da due angeli che stanno ai suoi fianchi e la guidano.

Questo è molto altro in mostra a Rovigo, al Palazzo della Roverella, sino al 27 gennaio

Art Basel Cities seleziona Buenos Aires

The Art Spectator: In un contesto difficile dal punto di vista economico e una svalutazione galoppante del peso in Argentina c’è un asset ancora tutto da scoprire: l’arte contemporanea locale. Il paese, infatti, possiede una lunga e ricca tradizione artistica e culturale ed è tra i più alfabetizzati del Sud America. Buenos Aires conta numerosi teatri, librerie, musei, gallerie, tuttavia il mercato dell’arte è ancora di dimensioni ridotte: «I compratori d’arte occasionali saranno 500, i veri collezionisti una trentina» sostiene Guillermo Rozenblum, imprenditore immobiliare e collezionista che ha trasformato un edificio di proprietà in un complesso di atelier per artisti promettenti in cambio di opere d’arte, e la sua stima viene confermata da vari galleristi locali. Ma il numero dei collezionisti potrebbe aumentare ora che la potente fiera svizzera Art Basel ha selezionato Buenos Aires per la prima edizione di Art Basel Cities, per cui dal 6 al 12 settembre ha invitato nella capitale argentina un centinaio di vip – incluso un nutrito gruppo di italiani – per una full immersion nella scena artistica locale. Le premesse sono buone non solo per la qualità dell’offerta, ma anche per la convenienza dei prezzi, ancora contenuti.

«Con quello che un collezionista spende a New York per un’opera, qui ne può comprare venti» afferma la gallerista Nora Fisch. «Per i miei artisti, che non sono emergenti ma hanno già curriculum di tutto rispetto, i prezzi vanno in genere dai 5.000 ai 10.000 dollari». Per esempio Fernanda Laguna, un’artista influente per la generazione più giovane sia per la sua arte che per il suo impegno sociale: «entrerà nella storia dell’arte e i suoi dipinti quotano solo 6-14.000 dollari, mentre i disegni piccoli partono da 800».

Purtroppo la posizione geografica non aiuta, così come non hanno aiutato l’instabilità economica e gli anni della dittatura, che, però, hanno temprato gli animi degli artisti, abituati a realizzare tantissimo con risorse limitate. «Una delle caratteristiche principali della scena artistica locale è l’intensa collaborazione tra gli artisti, che si supportano a vicenda» racconta Mariela Scafati, artista e attivista molto rispettata. Lo conferma Cecilia Alemani, curatrice italiana responsabile della High Line a New York, che Art Basel ha invitato a curare a Buenos Aires una mostra d’arte pubblica, intitolata “Hopscotch”.

«Conoscevo già artisti come Eduardo Basualdo (3-40.000 dollari da Ruth Benzacar, ndr), Eduardo Navarro, David Lamelas (20-200.000 euro da Lia Rumma), Adrian Villar Rojas, Amalia Pica, Pablo Bronstein, ma questo progetto mi ha dato l’occasione di esplorare la vibrante scena locale e scoprire artisti di grande talento come Diego Bianchi, Santiago De Paoli, Gabriel Chaile (5-20.000 dollari da Barro), Mariela Scafati, Ad Minoliti (2.500-15.000 euro da Crèvecoeur), Rosario Zorraquin, Fernanda Laguna. Tra i temi più sentiti c’è la questione dell’identità di genere e una certa propensione per la scultura e la materialità, meno la riflessione sul passato dittatoriale».

L’arte emergente è sostenuta da numerose gallerie nate negli ultimi anni accanto alle affermate come Ruth Benzacar e Maman. Molte si trovano nel quartiere industriale Villa Crespo, come Isla Flotante, in un’ex fabbrica per l’imbottigliamento del vino, e UV, al piano terra di un piccolo edificio in cui vivono la gallerista Violeta Mansilla e cinque dei dieci artisti della galleria in una sorta di comune creativa. All’asta, nelle case d’aste locali come Roldan e Arroyo, passa principalmente l’arte del 900, anch’essa ancora sottovalutata e poco conosciuta.

Italia Romantica

The Art Spectator: Romanticismo sarà la prima mostra mai realizzata sul contributo italiano al movimento che, preannunciato alla fine del Settecento, ha cambiato nel corso della prima metà dell’Ottocento la sensibilità e l’immaginario del mondo occidentale.

In particolare, Milano– che tra le grandi città d’Italia è quella che ha avuto in quegli anni la maggiore vocazione europea – è stata uno dei centri della civiltà romantica, sia per quanto riguarda le arti figurative che sul versante letterario e musicale. Pensiamo alle esposizioni d’arte, ai grandi collezionisti, alle imprese editoriali, ai teatri – tra cui La Scala– e a protagonisti come Foscolo, Manzoni, Rossini, Hayez e Verdi.

L’esposizione celebral’identità e il valore del Romanticismo italiano, in rapporto a quanto si andava manifestando nel resto d’Europa – in particolare in Germania, nell’Impero austriaco, in Inghilterra e in Francia – tra il Congresso di Vienna e le rivoluzioni che nel 1848 sconvolsero il vecchio continente. Le opere esposte alle Gallerie d’Italia di Milanoe al Museo Poldi Pezzoli documentano un periodo che va dai fermenti preromantici fino alle ultime espressioni di una cultura che, almeno nel nostro Paese, avrà termine con la realizzazione dell’Unità d’Italia e l’affermazione del Realismo, che del Romanticismo rappresenta l’antitesi.

In mostra, i dipintidei maggiori interpreti della pittura romantica: Francesco Hayez, Giuseppe Molteni, Giovanni Carnovali detto Il Piccio, Massimo d’Azeglio, Giovanni Migliara, Angelo Inganni, Giuseppe e Carlo Canella, Ippolito Caffi, Salvatore Fergola, Giacinto Gigante, Pitloo, Domenico Girolamo Induno. Tra le sculturespiccano i lavori di tre straordinari maestri: Lorenzo Bartolini, Pietro Tenerani e Vincenzo Vela.

Non mancano grandi artisti di diversa nazionalità attivi in Italia, come Caspar David Friedrich, Franz Ludwig Catel, Jean-Baptiste Camille Corot, William Turner, Friedrich von Amerling, Ferdinand Georg Waldmüller, Karl Pavlovič Brjullov, che permettono di approfondire le relazioni intercorse tra il Romanticismo italiano e quello europeo.

Contestualmente alla mostra sono state organizzate numerose attività collaterali che ti permetteranno di approfondire il movimento romantico: visite guidate per adulti; iniziative per bambini e famiglie; conferenze; concerti; laboratori didattici; eventi realizzati in collaborazione con l’Associazione Culturale Ludosofici e il Circolo dei Lettori.
Inoltre, a partire da gennaio 2019, grazie alla collaborazione con Fondazione Cineteca Italiana, nel nostro museo di Piazza Scala sarà possibile partecipare a una variegata rassegna cinematografica: ogni proiezione sarà preceduta da uno “zoom”, una breve visita guidata in cui giovani mediatori culturali illustreranno l’opera a cui il film fa riferimento.

L’Ottocento in mostra a Novara

Dal 20 ottobre 2018 al 24 febbraio 2019, le sale del Castello di Novara si aprono per accogliere la mostra Ottocento in collezioneDai Macchiaioli a Segantini.
L’esposizione, curata da Sergio Rebora ed Elisabetta Staudacher, coadiuvati da un comitato scientifico composto da Luisa Martorelli, Fernando Mazzocca e Aurora Scotti Tosini, è organizzata da METS Percorsi d’arte in collaborazione con la Fondazione Castello di Novara, col patrocinio della Regione Piemonte e del Comune di Novara, con il sostegno di Banco BPM (main sponsor) e di Fondazione CRT.
La rassegna presenta 80 capolavori di pittura e scultura tutti provenienti da prestigiose raccolte private, di autori quali Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis, Giovanni Fattori, Carlo Fornara, Domenico e Gerolamo Induno, Silvestro Lega, Angelo Morbelli, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Segantini, Federico Zandomeneghi, che testimonia l’importanza storica del fenomeno del collezionismo nello sviluppo delle arti in Italia, dall’Unità nazionale ai primi anni del Novecento.

La storia delle arti figurative in Italia nel secondo Ottocento s’intreccia, infatti, con le vicende dei raccoglitori di opere d’arte e, più in generale, del mecenatismo culturale. Dopo il 1860, s’intensifica il fenomeno del collezionismo di dipinti e sculture da parte di una sempre più ampia fascia di pubblico, composta in prevalenza da esponenti della borghesia delle imprese e dei commerci e delle professioni civili.
Importanti per la diffusione anche commerciale dei dipinti e delle sculture, si rivelano le rassegne annuali promosse nelle grandi città dalle istituzioni accademiche e dalle Società Promotrici, vere e proprie vetrine che permettono di conoscere l’evoluzione dell’attività dei pittori e degli scultori, nonché momenti di confronto tra la produzione di artisti di diversa estrazione culturale, ma anche – e soprattutto – occasioni per incrementare le raccolte attraverso acquisti e assegnazioni sociali.
Sull’esempio della Francia (Goupil) e dell’Inghilterra (Dowdeswell, Colnaghi, Pisani), in questi anni nasce anche in Italia il mercato dell’arte organizzato in empori e in gallerie, come quella fondata a Milano negli anni settanta del XIX secolo dai fratelli Vittore e Alberto Grubicy – forse la più significativa sul territorio nazionale – che orienta i collezionisti nelle loro scelte e nella composizione delle loro raccolte.

Suddivisa in otto sezioni, la rassegna al Castello di Novara si apre con un accenno all’affermazione delle poetiche del vero nel loro passaggio dai temi storico-risorgimentali alla vita quotidiana del nuovo stato sabaudo, con autori quali Gerolamo Induno, Giovanni Fattori, Luigi Nono. Negli anni sessanta si assiste anche a una messa a fuoco sul paesaggio nella sua accezione naturalista (Antonio Fontanesi, Guglielmo Ciardi, Filippo Carcano) e a un confronto tra studio di ritratto pittorico e scultoreo che si prolunga nel tempo (Tranquillo Cremona, Vincenzo Gemito, Medardo Rosso).
L’esposizione prende poi in esame l’assestarsi e il definirsi, nei due decenni successivi, di un gusto ufficiale che rispecchia quello della monarchia sabauda e che si confronta con i richiami da Oltralpe. È il trionfo della pittura e della scultura di genere declinate su temi ispirati alla vita pastorale e agreste (Francesco P. Michetti, Filippo Palizzi) e a quella borghese nei suoi risvolti intimisti (Silvestro Lega, Giacomo Favretto, Vittorio Corcos), anche con affondi decorativi o folcloristici attraverso la moda dell’orientalismo (Alberto Pasini, Domenico Morelli). Tra le eccellenze del genere si annoverano le esperienze degli artisti operanti a Parigi o in rapporto con la Galleria Goupil, tra cui Antonio Mancini, Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis, Federico Zandomeneghi.
Nell’ultimo decennio del secolo si assiste, da un lato, all’affermazione di istanze ideologicamente impegnate verso i temi del lavoro, espressi con attento e consapevole tono di denuncia delle ingiustizie sociali, dall’altro, verso i primi segni di sensibilità nei confronti del simbolismo internazionale, a volte interpretati con enfasi allegorica di impronta decorativa. L’elaborazione di contenuti così differenti si accomuna spesso con la sperimentazione della pittura divisionista da parte dei maestri della cosiddetta prima generazione: Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Angelo Morbelli, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Plinio Nomellini, Emilio Longoni, Vittore Grubicy.
Si segnalano, in particolare, La curiosità di Silvestro Lega, caposaldo macchiaiolo della raccolta Jucker, il grande paesaggio Aprile di Antonio Fontanesi, custodito per lungo tempo nella collezione Rossello, lo splendido Hyde Park di Giuseppe De Nittis, realizzato a Londra nel 1876, città nella quale, l’anno precedente, l’artista dipinse Piccadilly, quadro appartenuto al raccoglitore Paolo Ingegnoli e poi a Gaetano Marzotto, Il pastello rosa di Giovanni Boldini, raffinatissimo ritratto di Emiliana Concha de Ossa risalente alla seconda metà degli anni ottanta, il capolavoro divisionista Venduta! di Angelo MorbelliGli emigranti di Giuseppe Pellizza da Volpedo della collezione dell’imprenditore Francesco Federico Cerruti e Petalo di rosa, toccante dipinto simbolista di Giovanni Segantini.

QUANDO IL MERCATO CROLLA: “TAVOLETTE ADDIO”

Una discesa inarrestabile quella dei prezzi degli artisti del gruppo dei Macchiaioli che dall’inizio della crisi economica ad oggi hanno fatto registrare battute d’asta sempre più modeste, fino agli ultimi esiti disastrosi.

Una situazione quasi paradossale quella di questa piccola ma un tempo relativamente vicino fortunatissima nicchia di mercato, ormai ridotta all’osso.
Mentre infatti il mercato dell’arte prolifera a livello nazionale e internazionale con una forte ripresa sia delle vendite della pittura moderna e contemporanea, sia del comparto pittura antica, l’Ottocento toscano è ridotto ai minimi termini.

Artisti come Fattori, Signorini e Lega sono letteralmente umiliati da una inarrestabile discesa verso quota zero e chi possiede le loro opere si affretta a affidarle alle case d’asta nostrane – poiché quelle estere spesso non le accettano nemmeno più – a poche migliaia di euro, sicuri che i prezzi siano destinati a scendere ulteriormente, avvicinandosi appunto pericolosamente a quota zero. Questo confidando di poter alienare queste opere, finché ancora in tempo, ai pochissimi collezionisti ultra ottantenni rimasti in vita (recentemente è mancato anche l’ottantaquattrenne avvocato Cassietti di Novara), perché dopo di loro è previsto il diluvio e la completa e irreversibile paralisi degli scambi.

Le gallerie che trattavano il genere scomparse! Prima hanno mollato la presa le grandi case d’asta come Sotheby’s e Christies, proseguendo con il fallimento di Finarte-Semenzato e poi da Firenze a Milano hanno chiuso i battenti oltre 10 attività storiche, da Sacerdoti e Bottega d’arte di Livorno a Rotini, da Vallerini a Giordani a Il Leone, a Fasone a Tassi a Il Magnifico o Reali di Firenze, lasciando in balia di se stesso un mercato che non genera più utili. La mancanza di operatori specializzati ha indubbiamente contribuito a alimentare questo clima da “abbandonate la nave, si salvi chi può”.

Le ragioni di tale declino sono da individuarsi nella sopravvalutazione artistico-economica del passato, spinta da un

certo filone critico e commerciale attivo fra gli anni sessanta e novanta che aveva prodotto un lievitamento sproporzionato dei valori, in un continuo crescendo capace di creare quella bolla speculativa oggi inesorabilmente scoppiata, difronte allo sgomento dei collezionisti ortodossi – o più spesso dei loro eredi – che avevano pagato alcune preziose tavolette somme da capogiro, con record anche di 200 milioni di vecchie lire, le stesse oggi reperibili intorno ai 20.000 euro e perfino a meno.

Per comprendere appieno il fenomeno del crollo verticale di questo mercato abbiamo intervistato qualche acquirente storico chiedendogli il perché del disinteresse generale e le risposte hanno imputato la responsabilità al confronto sfavorevole con le altre scuole regionali, da quella napoletana a quella veneta, attualmente considerate alla pari di quella toscana e da sempre con prezzi molto molto più concorrenziali. Inoltre gli investimenti sui Macchiaioli che nelle parole dei galleristi e esperti promettevano utili da capogiro si sono rivelati un bluff (ops! ci siamo sbagliati…), non fruttando niente in questi ultimi dieci anni, ma anzi generando minusvalenze enormi, tanto che chi li ha cerca di proteggersi venendo e recuperando quello che può per investire altrove. D’altronde, ci dice un anziano collezionista (in Italia si contano ormai sulle dita di una/due mani), “queste opere hanno subito una svalutazione di circa il 10% annuo, mentre altri investimenti hanno ancora qualche margine di redditività, quindi risulta più conveniente realizzare e impiegare i proventi altrove, riportando il segno più sui propri risparmi. Di nuovi acquisti, anche mirati, nemmeno a parlarne. E se poi anche gli altri collezionisti, presi dal panico, decidessero di vendere il mercato si saturerebbe, con un consequenziale ulteriore crollo, quindi meglio cederle adesso finché queste tavolette valgono ancora qualcosa”.

Difficilissimo comunque ormai anche realizzare (troppo tardi), poiché sono davvero mosche bianche i mercanti storici rimasti a presidiare la piazza (più nessuno a Firenze) e praticamente nessuno di loro acquista in proprio se non raramente, accettando pezzi solo in conto deposito e a riserve estremamente prudenti, realistiche, aggiornate agli esigui valori odierni.

Un mercato questo che secondo gli analisti non lascia purtroppo spazio alla serenità: nessuna ripresa in vista e nemmeno in prospettiva, né a medio né a lungo termine! previsto un calo costante, complice il completo rovesciamento del gusto che non contempla più scenette rurali, vicoletti assolati e buoi né tanto meno i piccoli formati da cartoline illustrate che non arredano; un vero e proprio reale addio alla campagna considerata assolutamente fuori moda. Le rare aggiudicazioni oltre i 50.000 euro riguardano infatti tele di ampie dimensioni, intorno o oltre il metro, come il capolavoro fattoriano “Fanteria in sosta” che il 16 maggio 2018, alla Casa d’aste il Ponte è stato battuto per il prezzo record, si fa per dire, di 90.000 euro; il quadro era stato venduto alla fine degli anni ottanta per 600 milioni di vecchie lire. Impressionante anche la somma modestissima, di soli 15.000 euro, realizzata alla Casa d’aste Pananti da “Dopo il tramonto a Pietramala”, tela fra le più famose e suggestive di Signorini, di cm 30×40 ma nella stessa asta del 20 ottobre 2018 faceva assai peggio “Viale a Careggi”, di cm 28×18, invenduto a soli 8.000 euro. Il 16 maggio 2017 non è stato invece aggiudicato alla Wannenes di Genova un grazioso “Ritratto di fanciulla” di Lega di cm 23×16,5 stimato soltanto 2.000 euro (la contropartita di una borsa per signore di griffe) e proveniente dalla prestigiosa raccolta dei conti von Holzen di Vienna.

I collezionisti sono sempre più alla ricerca di immagini iconiche e immediatamente decifrabili (non disdegnando l’orientalismo, sempre in crescita), possibilmente chic, cariche di pathos, di dimensioni ragguardevoli, ove convivano eleganza e sentimenti umani e forme moderne e emblematiche capaci di far riflettere e stupire alla prima occhiata.
Questi sotto alcuni record negativi che sanciscono la fine di un mercato e della sua epoca d’oro e la scomparsa delle gallerie specializzate, consegnandolo al genere “antiquariato” e ai negozi degli antiquari, bene inteso minori, dove si trova di tutto un po’, dal cassettone della nonna fino al quadro antico ma rigorosamente di bottega.

GIOVANNI FATTORI:

Lotto numero 634

messaggio

Il messaggio

Pittura, Olio/tavoletta, 15 x 20 cm

Stima: 18.000 € – 22.000 €

Prezzo di aggiudicazione: 17.500 €

Farsetti , 27/10/2018

Italia


Lotto numero 552

militari in perlustrazione

Militari in perlustrazione“ (c.1900)

Pittura, Olio/tavola, 19 x 32,5 cm

Stima: 20.000 € – 30.000 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Dorotheum , 24/10/2018

Austria


Lotto numero 323

collina tosc.jpg

Collina toscana

Pittura, Olio/tavola, 13,2 x 17,89 cm

Stima: 3.000 € – 5.000 €

Prezzo di aggiudicazione: 4.500 €

Minerva Auctions , 24/05/2018

Italia


Lotto numero 1651

1

In avanscoperta / Fanteria in sosta (1856)

Pittura, Olio/tela, 43 x 77 cm

Stima: 120.000 € – 130.000 €

Prezzo di aggiudicazione: 90.000 €

Il Ponte Casa D’aste Srl , 16/05/2018

Italia


Lotto numero 1288

tamburo maggiore

Il Tamburo Maggiore

Pittura, Olio/legno, 26 x 13 cm

Stima: 7.000 € – 10.000 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Dorotheum , 25/04/2018

Austria


Lotto numero 23

soldiers

Soldiers on horse

Pittura, Olio, 31 x 20,5 cm

Stima: 8.000 € – 9.000 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Monac’art , 17/03/2018

Monaco


Lotto numero 215

studio vegetazione

Studio di vegetazione (1865/70)

Pittura, Olio/tela, 34,5 x 20,5 cm

Stima: 5.000 € – 7.000 €

Prezzo di aggiudicazione: 5.000 €

Galleria Pananti Casa d’Aste , 17/02/2018

Italia


Lotto numero 292

cupolino

Il cupolino alle cascine

Pittura, Olio/tavola, 10,5 x 17,5 cm

Stima: 7.000 € – 10.000 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Pandolfini Casa d’Aste , 13/02/2018

Italia


Lotto numero 185

studio vegetazione

Studio di vegetazione (1865/70)

Pittura, Olio/tela, 34,5 x 20,5 cm

Stima: 10.000 € – 12.000 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Galleria Pananti Casa d’Aste , 15/12/2017

Italia


TELEMACO SIGNORINI:

Lotto numero 104

1-2

Portoferraio

Pittura, Olio/tavoletta, 12,5 x 21,5 cm

Stima: 7.000 € – 9.000 €

Prezzo di aggiudicazione: 9.500 €

Pandolfini Casa d’Aste , 13/11/2018

Italia


Lotto numero 635

1-3

L’epoca galante

Pittura, Olio/tela, 46,7 x 35 cm

Stima: 8.500 € – 12.000 €

Prezzo di aggiudicazione: 9.000 €

Farsetti , 27/10/2018

Italia


Lotto numero 135

1-4

Viale a careggi (1897/98)

Pittura, Olio/tela/cartone, 28 x 17,3 cm

Stima: 8.000 € – 10.000 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Galleria Pananti Casa d’Aste , 20/10/2018

Italia


Lotto numero 136

1-5

Dopo il tramonto a Pietramala

Pittura, Olio/tela, 30 x 34,5 cm

Stima: 10.000 € – 15.000 €

Prezzo di aggiudicazione: 14.000 €

Galleria Pananti Casa d’Aste , 20/10/2018

Italia


Lotto numero 50

1-6

Campagna dell’Arno (c.1895)

Pittura, Olio/tela, 25 x 51 cm

Stima: 22.434 € – 33.651 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Bonhams , 26/09/2018

Regno Unito


Lotto numero 736

1-7

Palazzo

Pittura, Olio/carta, 12,5 x 16 cm

Stima: 2.000 € – 4.000 €

Prezzo di aggiudicazione: Lotto non venduto

Galleria Pananti Casa d’Aste , 19/07/2018

Italia


 

 

 

Hockney brucia tutti i record di Koons all’asta

David Hockney batte Jeff Koons e diventa l’artista vivente più costoso della storia. In un duello di dieci minuti di puntate al telefono, un’iconica tela dipinta nel 1972 dal pittore dello Yorkshire è stata battuta da Christie’s per 90,3 milioni di dollari: un record. Combinando i due temi su cui Hockney stava lavorando in quegli anni, le “piscine” e i “doppi ritratti”, “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)” è, con buone ragioni, uno dei quadri più famosi dell’artista, riprodotto sulla copertina di molte monografie ed esposto nella retrospettiva internazionale organizzata per celebrare i suoi 80 anni.

Il quadro rappresenta un uomo vestito da capo a piedi sull’orlo di una piscina che guarda un altro uomo che nuota verso di lui. Il primo uomo è Peter Schlesinger, l’ex compagno dell’artista e un suo ex studente alla University of California a Los Angeles. La tela data all’epoca in cui la grande love story tra maestro e allievo era finita: l’uomo che nuota potrebbe essere il nuovo amante.